20 astuces pour pratiquer la photo en studio



Je peux vous donner des conseils à employer en Studio. Pour la plupart, ils vont faire appel à l’approche avec la thématique et le modèle. Ils peuvent s'appliquer dans le studio ou en extérieur. Vous pouvez aussi étendre le point de vue esthétique à vos photos d’objets, à la nature morte.


Parlons du travail avec le modèle.


1. Pensez à centrer l’œil dominant dans votre cadre :


C’est un principe de composition qu’affectionne tout particulièrement le photographe Mc Curry. Cette approche permet de mettre de la dynamique naturellement dans la lecture de l'image. Le secret reste d’apprendre à connaître les modèles. Si vous arrivez à créer, une double empathie entre le modèle et vous. Vous vous donnerez une plus-value sur la force de la photographie que vous allez partager.



2. Exploiter les mains dans le cadre :


Elles sont une partie de la personnalité du modèle que vous photographiez. Pour un rendu efficace, demandez-lui d’utiliser des poses naturelles. Pensez aux poches de pantalon, le menton, la nuque, aux hanches.



3. Combattre les yeux fermés :


Si vous travaillez avec une personne qui a tendance à cligner des yeux. Si vous vous retrouvez avec des photos où le regard est absent. Une solution simple s'offre à vous. Elle consiste à partir les paupières fermées. Demandez à votre modèle de les ouvrir au décompte de 3. Il vous reste à déclencher.

4. Un point important pour guider votre modèle :


La dynamique et le graphisme sont directement liés à l'orientation des coudes. La direction où ils pointent va exercer un ressenti sur le spectateur. C’est 70 % de la réussite du cliché.


5. Évitez à tout prix l’effet moignon :


Pour empêcher une esthétique très discutable qui donne l’impression que le membre a été amputé. Il faut absolument vous interdire de couper les bras et les jambes à l’articulation. Faites également attention aux mains enfoncées profondément dans les poches. En parcourant le cadre de coin en coin avant de prendre la photo, vous décelez les ruptures inappropriées.


6. Pensez à vérifier la couverture du visage par la chevelure : il est courant que les personnes ayant des cheveux longs se retrouvent sur les photos avec l'œil caché. Cela dit, c’est peut-être une volonté du photographe. Cependant, méfiez-vous de quelques fins cheveux qui coupent l’iris et la pupille . Il n’y a rien de plus dommageable. La retouche de cette nature est un problème. Elle vous prendra énormément de temps. Si vous travaillez uniquement avec des logiciels tels que LIGHTROOM ou CAMÉRA RAW, ce type de corrections laissent des traces.


7. Réfléchissez à faire votre composition directement dans le viseur :


Pour obtenir une photo avec la définition maximum, il est important de penser votre image dès la prise de vue. Laissez-vous une légère marge de sécurité pour le dernier recadrage ? La répartition des formes se fait à la capture et non pas au développement.


8. Recherche des idées de poses :


Il existe sur Pinterest des références facilement consultables. C’est une mine d’inspiration. Je vous conseille d’en mémoriser une panoplie qui correspond à votre flux de travail.



Parlons esthétique.

1. Pour le fond, le choix des coloris est simple :


Approchez-vous de la teinte de la peau, des vêtements ou des accessoires présents dans la scène ? Une solution simple est d’utiliser des gélatines de couleurs avec des fonds neutres. Plus, il s’avance vers le blanc et moins la couleur sera saturée. Et inversement plus vous allez vers un fond noir, plus la couleur sera saturée.


1. Amusez-vous avec les associations de couleurs :


pour créer des images fortes, ajoutez des éléments de la même couleur, de la même nuance du stylisme pour faire des photos harmonieuses. Vous pouvez également jouer sur les complémentaires pour donner du caractère à vos créations.


Parlons de la capture et de l’éclairage maintenant.


1. La sensibilité :


Avec un système d’éclairage au flash, il n’est pas utile d’aller plus haut que la sensibilité native du capteur de votre boîtier. Nous allons le plus souvent descendre à 100 ISO, voir 200 ISO pour des appareils avec cette sensibilité spécifique. Je pense à certains Nikon et à certains Fuji.


2. Il n’existe qu’un soleil :


Dans la gestion de l’éclairage, une source suffit à apporter le rendu. Le matériel supplémentaire servira à apporter de l’enrichissement. Le maître mot, c’est la profondeur dans l’image. Il faut penser à donner du détail au capteur.




3. Des corrections de quelques centimètres :


Quand vous placez un éclairage et que le rendu n’est pas au rendez-vous. Il ne faut pas se frustrer. Il faut travailler sur l’éclairage et sa position. C’est la notion d’axe d’illumination qui prime. C’est une expérience qui s’installe de séance en séance. Il vous faut cependant avoir une certaine connaissance de base.


4. Les grands modeleurs.


Cela restera à tout jamais un élément clé de l’éclairage. Plus, la taille de la source est grande, plus, la lumière est enveloppante. Ce principe impacte le rendu. Les modeleurs de grandes tailles aident à éclairer des mises en scène. Il faut cependant se donner les moyens de contrôler le cône de lumière.





5. Vous n’avez pas besoin de puissance démesurée :


Des flashs puissants ont l’avantage de nous offrir le luxe de fractionner la puissance de sortie. Il nous donne la possibilité d’accélérer ainsi la vitesse de l’éclair et aide à diminuer le temps de recyclage. Ce qui n’est pas négligeable sur des torches monoblocs. Par contre, nous pouvons faire le même travail avec des flashs de reportage cobra.


6. D’expérience, je conseille d’acheter des supports sur roulette :


Lors d’une séance, on déplace des tonnes de matériel. Sur des girafes, nous avons le poids du flash d’un côté et des contrepoids de l’autre. On est content quand le shooting touche à sa fin. Des roulettes, c’est un réel confort. Mais, le prix de ce matériel est un peu plus élevé.


7. Pour l’ouverture :


Il n’y a pas vraiment de règles pour déterminer l’ouverture idéale. On travaille très régulièrement sûr du F8 et F11 sur des focales demi-longues de 70 à 100 mm. Il se trouve que ce sont des valeurs d’ouverture qui donnent le meilleur piqué, car elle se situe au centre des ouvertures possibles de la majorité des objectifs. Décider de son ouverture, c’est prendre une option artistique. La profondeur de champ reste un point essentiel de l’esthétique photographique.


8. La vitesse d’obturation :


Elle contrôle la lumière d’ambiance quand on photographie avec le flash comme lumière maître. En utilisant des transmetteurs radio, c’est eux qui déterminent la synchro flash. En effet, cela dépend du temps de latence pour la transmission du signal de déclenchement. Assurez-vous la réussite de votre shooting. Réglez votre boiter au 1/125ème de seconde. Si par hasard vous appliquez un tour de roulette, votre session photo est protégée. Vérifiez ce paramètre avant chaque session de prise de vue. C’est bête de générer un dégradé foncé sur le bord de vos photos. Et, c’est irrécupérable au développement.


9. Apprenez à gérer votre lampe principale :


C’est elle qui dicte l’ambiance et donne les ratios de lumière des autres sources du plan d’éclairage.


10. Si vous en avez la possibilité, connectez-vous à votre ordinateur:


Il est difficile d’évaluer les clichés sur l’écran de votre boîtier. Optez pour un travailler thetering c’est assez simple à mettre en œuvre avec LIGHTROOM. J’ai une vidéo consacrée à ce thème.


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