Comprendre et monter ses éclairages.


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L’éclairage est un art qui peut être accessible à tous. La magie d’une photo réside dans la compréhension de celui-ci. C’est la lumière qui nous apporte les émotions.

Combien d’entre nous ne sont pas restés contemplatif sous le charme d’une lumière d’orage ! Elle est pour moi la lumière ultime. Elle marie à la fois force et douceur. Cette atmosphère rend la vraie couleur du sujet. Et Ceci n’est possible qu’en lumière extra douce d’un ciel bouché. Il donne la présence d’une nappe nuageuse épaisse. Dans ces conditions, on profite également d’ombres précises lorsque le soleil transperce le voile nuageux. Il a l’effet et la couleur d’un spot qui met le focus sur une partie du paysage. Le tout se décollant sur un fond de nuage noir, voir gris bleu. C’est un véritable spectacle.

Pour en revenir à l’atelier, il fonctionne sur un principe simple. Retranscrire ce type d’émotion. Les participants tirent un numéro. On regarde le plan d’éclairage auquel il correspond. On analyse les composantes de la lumière. On s’intéresse à la direction de la source principale, au type de lumière, à l’intensité, au contraste. Chacun donne sa solution. Ensuite, je donne mon interprétation de celui-ci.

Sur base de ces deux analyses, nous fixons un point de départ estimé correct. Nous passons ensuite à la phase d’installation et à la mesure des sources.

Régulièrement pendant le montage, des photos sont prises en mode connecté. d'étapes en étapes, on effectue un contrôle du visuel. On adapte les réglages nécessaires pour reproduire au mieux le plan d’origine suivant les éléments en présence. Et c’est parti pour un shooting portrait. Les quatre participants passent à leur tour pour une session limitée dans le temps et répartie équitablement. L’objectif étant de sortir le meilleur portrait du setup en place. Pour aider à la qualité, une artiste Make-up assiste le shooting.

Voilà un confort de travail digne des studios professionnels. Les thèmes sont variés pour aider à la créativité.

Pourquoi proposer ce type d’atelier ?

Que ce soit en lumière naturel. Que ce soit en studio. Ou à la croisée des chemins, alliant les deux philosophies, j’évoque ici le strobisme. La lumière reste l’outil ultime du photographe pour transmettre sa vérité à travers un figé de l’instant. Elle est l’alliée du photographe.

L’intention artistique reste le point central du travail photographique en lumières contrôlées. En effet en studio, elle s’exprime complètement. Le photographe devient l’architecte principal de l’esthétique visuel. Il est aussi l’ingénieur de ses éclairages. Partant du noir, il entre ses valeurs dans la scène. Il poursuit la recherche d’une direction narrative. La photo est un reflet de l’histoire et de son interprétation, d’un récit que l’on monte de toute pièce. C’est avant tout une prise de position face à la scène. Que l’on soit actif en modifiant l’ambiance lumineuse. Que l’on soit passif en utilisant les conditions naturelles. La photo se modernise sans cesse. Et nous devons peaufiner nos démarches photographiques. Nous devons inventer une nouvelle approche. Cette discipline est parfaite pour cela.

Autant, une lumière dure aidera à donner un sentiment de force à un sujet. Autant une lumière douce peut apporter une ambiance dans un portrait de type beauté. Il reste un facteur qui est oublié. C’est l’innovation ! Au final, la qualité de la lumière et sa perception se sont ancrées dans l’inconscient collectif. Les photographes passionnés appliquent ces vérités toutes brutes. Ils restent souvent fixés dans ces recettes toute faites. Ils restent dans le cadre, dans une zone de confort.

Cependant, les images à produire sur notre planète photo doivent devenir plus complexe. Pour se démarquer et coller à sa personnalité, le rendu doit devenir une démarche esthétique. Il est complexe et très difficile de développer en quelques phrases la méthode. Le travail artistique est propre à un état d’esprit. C’est une recherche de sa différence suivant ses influences, ses centres d’intérêts, et surtout de son caractère profond.

Il existe cependant une certitude. Pour produire de l’étonnement, On doit perturber le spectateur. Et il ne faut pas oublier que le photographe est son premier auditeur. On doit donc se surprendre soit même. Produire des images en soignant la capture de la lumière. Au fil du temps, On maîtrise ses sources pour obtenir son image. Le parcours devient subitement très attractif. Il se remplit de surprises.

Dans le processus de création, on commence par s’imprégner d’une histoire. On se fabrique ensuite des images mentales. Il reste à mettre en pratique les connaissances acquises et les mélanger à la recherche de la nouveauté. On expérimente des dérivés, pour utiliser au mieux la lumière.

Pour donner un exemple. Une petite histoire !

On meurt aussi bien sous le soleil que sous une nappe nuageuse.

Dans la représentation mentale de cette phrase. On va se construire sur base de nos connaissances deux rendus distinct. Le caractère des ombres des deux scènes sera opposé. Elles n’auront pas du tout la même représentation en termes de contraste. Mais, On essayera malgré tout d’exprimer le côté dramatique de cette mort sur base de la contrainte visuel contenue dans cette narration !

Pourquoi cet exemple ?

C’est une thématique qui nous conduit vers les premiers analystes de la lumière. Ce thème de la mort est universel et fait partie de l’œuvre d’un artiste. Je pense ici aux peintres. Ils ont de tout temps utilisé la lumière. Ils se sont intéressés à la mécanique de son déplacement dans l’espace. Ils utilisaient les sources naturelles. Ils se sont éclairés à la bougie pour obtenir un rendu et du modelé. Des Œuvres majeurs ont vu le jour chez Caravage, De Vinci, Rembrandt, Vermeer, Rubens, Monet, Poussin. La liste est longue et les mouvements picturaux aussi. Mais ils ont tous un point en commun, la représentation de la perception de la lumière. C’est le travail de toute une vie.

Ces recherches étaient déjà bien abouties à l’arrivée de la photo. On n’a rien inventé. Le travail des peintres a donné les fondements de la représentation de la lumière. Les premiers photographes se sont très vite approché de ces rendus. Comme un peintre qui crée sa composition. Avec notre technologie, les photographes et vidéastes créent de nos jours des mondes de toutes pièces.

Cependant pour y arriver, une étude approfondie de la lumière et du matériel s’impose. Quand on aborde cette réflexion et qu’on avance sur le chemin de cette découverte. L’observation se modifie. Le sujet des clichés n’est plus simplement le sujet ! C’est l’impression et la perception du sujet par son illumination qui devient l’élément moteur de nos compositions.

J’utilise cette méthode dans mon travail. Je vais régulièrement m’inspirer des grands maîtres de la peinture pour reproduire une esthétique picturale. Après analyse, je pose les modeleurs adéquats pour donner cette impression de peinture. Je travaille mon contraste au plus près de l’image à obtenir. Le champ d’inspiration est vaste, dans les films, dans les bandes dessinées, en illustration, à partir d’autres photographies. On peut s’ouvrir des univers.

Voir ce projet tel Rubens, pour explications !


Une seule source du type lumière de fenêtre. un éclairage propre au maison flamande de l'époque . un point de lumière unique et vif dans l’œil.


Je me suis inspirer du plan et de l'esthétique de ce tableau pour obtenir ce cliché

Je vous invite à voir le rendu du plan d’éclairage monté par Philippe Christine lors de l’atelier du mois de février. Ci-dessous la photo de base, le plan d’éclairage et le rendu studio de celui-ci. C’est un plan 1 source. Il consiste à reproduire la lumière d’une grande baie vitrée.

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